J u l i a n a G ó n g o r a
Juliana Góngora, 1988.
Observadora del musgo entre los ladrillos y de los poderes minúsculos. Trabaja con materiales originarios y orgánicos: tierra, leche, sal, hilos de araña, granos de arena, piedras, vidrio. Colecciona condiciones escultóricas: fuerza, sutileza, presionar, esperar, suspender, humedecer. Como artista incita a la consciencia material y afirma que como especie necesitamos empezar a describir más nuestras acciones diarias en vez de exponer nuestros discursos de poder.
Entrevista y recopilación: Ana Cristina Ayala R.
Un mundo material
Me gusta estar atenta a los procesos de transformación de la materia. Creo que la escultura reside en la tensión que surge cuando dos materiales se encuentran y crean lo opuesto, permitiendo lo imposible, lo insospechado. La sal puede ser tosca, roer, y al mismo tiempo conserva y limpia. La leche líquida, al mezclarse con cal, puede adquirir la solidez de un cuenco. El hilo de araña puede ser una estructura invisible y etérea, pero a la vez es fuerte y resistente. Los granos de arena pueden ser muy pequeños y, sin embargo, el universo puede estar contenido en uno solo de ellos. Considero la escultura como un lenguaje transversal. El lente con el que puedo ver el mundo, mi forma de relacionarme y mi forma de ser.
Un pensamiento material
La tierra fue el primer material vivo con el que trabajé. Ella me mostró un límite: el más humano de todos, lidiar con algo más pesado que el propio cuerpo. Con ella entendí que mis esculturas emergen de una relación directa con la materia que se transforma con el tiempo. Aprendí sobre la paciencia y que los procesos de la escultura, como los de la vida, no son inmediatos. Arte y vida no se pueden distanciar. Entiendo el arte como la vida misma.
La tierra fue la puerta de entrada a otros materiales orgánicos presentes en mi trabajo como: hilos de araña, arroz, sal, leche, cal. Con el tiempo he llegado a entenderlos como materias reflexivas -capaces de develar conocimientos sensibles y simbólicos- que me han permitido reestablecer el vínculo con procesos culturales y prácticas de vida que han sido silenciadas por el pensamiento occidental y, que merecen ser recuperadas. Por ello hago escultura, para recordar y reconocer toda la sabiduría que hay en mi cuerpo y en mi linaje campesino e indígena. En esta herencia hay una inteligencia manual que es consciente del uso y el cuidado que merece lo vivo. También he encontrado en ella la posibilidad de resignificar mi relación con la vida en un país donde es constantemente vulnerada y atropellada.
En mi trabajo busco una acción escultórica llena de afecto, que pueda restaurar nuestra relación humana con los demás y con nuestro entorno para dar continuidad a la vida incluso después de la muerte.
La condición política de la escultura
El camino más fácil que uno puede tomar, es ir a un extremo o al otro. Lo más difícil es situarse en el punto de tensión. Saber cuánta fuerza hay que emplear para conseguir algo en el material es parte fundamental de un proceso de pensamiento escultórico consciente de la interdependencia de la que somos parte. Creo que la condición política de la escultura cuida del tipo de fuerza que usamos para crear una huella. Del exceso o escasez de la fuerza parte la violencia, el abandono, la entrega inconsciente. Creo que como especie necesitamos empezar a describir más nuestras acciones diarias en vez de exponer nuestros discursos de poder.
Juliana Góngora, 1988.
Observer of the moss between the bricks and of the minuscule powers. She works with organic materials: soil, salt, spider threads, grains of sand, stones, glass, milk. She collects sculptural conditions: strength, subtlety, pressing, waiting, suspending, moistening. As an artist, she calls for a material consciousness and asserts that as human beings we must begin to focus more on our daily actions instead of centering our attention in our discourses.
Interview and compilation Ana Cristina Ayala R.
A material world
I try to be aware of the processes of transformation of matter. I believe that sculpture lies in the tension that emerges when two materials meet and create their opposite, allowing for the impossible, the unsuspected. Salt can be rough, it can corrode, destroy, and at the same time it can preserve and clean. Liquid milk, when mixed with lime, can acquire the solidity of a bowl. Spider’s thread can be an invisible, ethereal structure, but at the same time it is strong and resilient. Grains of sand can be very small yet; the universe can be contained in a single one of them. I consider sculpture as a transversal language, a lens through which I can see the world, my way of relating and my way of being.
A material thought
Earth was the first living material I approached in my work. It showed me a sense of limit: the most humane of all, to deal with something heavier than my own body. From it, I learned that my sculptures emerge through my direct relationship with matter, one that transforms over time. For me, sculptural processes, like those of life, are not immediate. Art and life cannot be separated. I understand my art as life itself.
To me, earth was a gateway to work with other organic materials such as: spider threads, rice, salt, milk, lime. Over time I have come to understand them as elements that induce meditative states. These materials are capable of revealing sensitive and symbolic knowledge. They allow me to re-establish a link with ancestral cultural processes, and life practices that have been set aside by western society and that deserve to be recovered. This is why I make sculptures, because through my body I’m able to remember and recognize the wisdom of my indigenous and farmer ancestry. In my heritage there is a tactile intelligence that is aware of the use and care required by the living. I have also found in this, a possibility to re-signify my relationship with life, more so in a country where it is constantly violated and trampled.
In my work, I seek for a sculptural action that is filled with affection, one that aims to restore our human relation with others, and with our environment, to give continuity to life even in death.
The political condition of sculpture
The easiest path one can take, is to go to one extreme or the other. The hardest thing is to stand at the point of tension. Knowing how much force one must use to achieve something in the material is a fundamental part of a conscious sculptural thought process that is aware of the interdependence of which we are part. I believe that the political condition of sculpture takes care of the type of force we use to make an impression. From the excess or lack of force comes violence, abandonment, unconscious surrender. I think that as a species we need to start describing more of our daily actions instead of exposing our discourses of power.